A BBS filmversei
Veszendő varázs
Nemes Gyula
A Balázs Béla Stúdió változatos műfaji repertoárjában
- elsősorban Tóth Jánosnak, Huszárik Zoltánnak és Szirtes Andrásnak köszönhetően
- a filmvers három évtizeden át tartotta magát.
|
Mi a filmvers? A lírai, nem-elbeszélő film poétikájának hiányában máig
tisztázatlan fogalom. Filmversnek vagy filmkölteménynek nevezték a Berlin,
egy nagyváros szimfóniáját és a Kádár Katát éppúgy, mint a Tóparti látomást
vagy A fehér galambot. És hogy még bonyolultabb legyen a helyzet, a líra
és a vers a mozgókép világában sem esik feltétlenül egybe. A líra szubjektív,
közvetlen, cselekmény nélküli, jelen idejű, emocionális, a tudatműködést
reprodukálja, az értelmen túli értelmet ragadja meg. Intenzivitásának,
tömörségének kulcsa a képszerűség és a többértelműség. A filmi líra szükségszerűen
objektív, mivel valóságképeket használ fel. Ezt azonban fellazíthatja a
személyesség, az érzelmi telítettség vagy a zeneiség dominanciája. A (film)verset
ezen felül a másodlagos struktúra egyenrangúsága (kötött forma, tagoltság,
ritmikusság), illetve a motívumok redukáltsága és redundanciája (és ebből
következően a rövidség) jellemzi.
A filmvers a játékfilmmel szemben nem irodalmi jellegű, mégis jól megfeleltethetőek
vele a vers képi és zenei kifejezőeszközei (rím, refrén, hasonlat, metafora).
A filmvers, akár az írott poézis limitált szókészletből dolgozik (amelyet
azonban saját maga teremt meg). A filmversek forgatókönyvei szabadversek.
A vágás is az olvasás, a gondolkodás, a képzelet, az álom működését idézi.
A kész filmet vers módjára kell befogadni, „lapozással”, többszöri megtekintéssel.
A metaforák részben az irodalomból, nyelvből, festészetből, mitológiából
származnak, szerencsés esetben azonban a képi képzettársítás logikája teremti
őket. A filmversek szókészlete a rendezői életművön belül, sőt más alkotóra
is átöröklődik, variálódik. Már csak azért is, mert a hazai filmversek
alkotói mindannyian kölcsönösen dolgoztak egymással (kivéve Huszárikot
és Szirtest).
Nem véletlen, hogy Huszárik költői-zenei kifejezéseket adott filmcímeinek
(az Elégia Bartók-tételre utal), és hogy az Elégiát Nagy László Búcsúzik
a lovacska című hosszúverse ihlette. Epiko-lírikus művekből sokan készítettek
filmet Abuladzétól Richardsonig, Vávrától Rubincsikig, Reisenbüchlertől
Bódyig, de versből készült filmversre (nem lírai illusztrációra) nem akad
példa. Huszárik ilyeneket is tervezett, többek között Pessoa Trafik című
versét szerette volna megfilmesíteni.
A BBS-filmográfiában is el kell határolni a filmverset olyan alműfajoktól,
mint a lírai dokumentumfilm (Igézet, Strand, Szilveszter), az önreflektív
film (Visus, Mozgóképanalízis), az esszé (Freskó, Raszter, Napló, Partita),
a strukturalista film (Maurer munkái), a lírai-zenei szerkezetű játékfilm
(A Pronuma bolyok története, Lenz, Tavaszi kivégzés) vagy a nem-narratív
játékfilm (Kedd, Kései rekviem, Ugróiskola).
Filmnyelvújítók
A filmvers műfajával Tóth János már az Elégia előtt kísérletezett operatőrként.
A Csendélet című „filmplakát” (Novák Márk, 1963) 14 snittje tömörségében
és motívumaiban is Pilinszkyt idézi. Nem teremt saját szókészletet: képi
jelei keresztény szimbólumok. Fő szervezőelve a 13 állókép (öröklét, örök
értékek) és egy mozgókép (pillanat, pusztulás) ütköztetése. Az ózdi kohóban
forgatott Igézet (Bácskai Lauró István, 1963) képi rímei, hasonlatai ellenére
nem szerveződik verssé, de motívumaiban és technikájában az Elégiát előlegezi
(fényjátékok, blendézések). Ez az első cinemascope magyar film, ötsávos
sztereó hanggal. Gesamtkunst jellegét növelik a szín- és hangrezgésszámok
megfeleltetései, az izzó láva és vasrudak stilizált, freskószerű képei,
a Sepsey vonósnégyes és Mészöly Miklós szerepeltetése.
Az első igazi filmvers az Elégia (1965). Huszárik méltatása külön cikket
érdemel, de már itt fontos hangsúlyozni, hogy a filmversek máig áthagyományozódó
nyelvét Huszárik, Tóth János és Morell Mihály közösen alakították ki (a
Capriccio és a Szindbád Tóth, a Csontváry Morell filmterve volt).
Az Aréna (1970) a legtisztább filmvers: nincsenek benne leíró részek
(Elégia), sem fiktív elemek (Capriccio). A szókészletteremtés a film első
pillanatától megindul, mintegy mellesleg történik meg, szemben az Elégiával.
Ezt az egyetemes szimbólumok, festményidézetek (Cranach, Holbein, Michelangelo)
és az előző filmek motívumai is megkönnyítik (fák, madarak, aszfaltrepedések,
fénysvenkek az Elégiából), de felvillannak a későbbi filmek objektumai
is (a gyertya a Studyból, őszi fák és levelek, temetői éjszaka a Szindbádból).
Az Elégia flashekből építkező szerkezete részben a többszörös exponálás
pótszereként jött létre. Az Aréna a legtöbb vágást tartalmazó filmvers,
bevágásai csak tudat alatt hatnak, néhol olyan gyorsak, hogy a kettős exponálás
érzetét keltik. A felfoghatóság határát súroló túlzsúfoltsága ellenére
is a legvisszafogottabb a filmversek közül, mivel dokumentarista és klasszikus
szerkezetű (tér-idő-cselekmény egysége, szonátaforma).
Az Elégia és az Aréna igen egyszerű dolgokat közölnek, motívumfűzésük,
többértelműségük kimeríthetetlenné vagy közhelyessé teszi értelmezésüket.
A világmodell színtere egy focimeccs: a világ mint látványosság, a világ
mint lenyomatok összessége. A tömegtársadalom további metaforái a strand
és Woodstock, a virtualizálódó valóságé a folytonos újságbevágások. Az
emberek raszteressé válnak, egybemosódnak az újságképekkel. Csak a madarak
emberi lények: riadt éjszakai elrepülésükkel kiürül a világ. (Madarak és
emberek lírai azonosítása az Elégiához hasonlóan mozgásirányok és variók
egybehangolásával történik.)
Az ókori és bibliai motívumok egyszerre példázzák a világ elsekélyesedését,
profanizálódását, feledékenységét, a történelmi alakok állandó jelenvalóságát,
az örök és percemberek kontrasztját, míg a századelőből vett bevágások
szerint nincs fejlődés, csak felgyorsulás. Ma a római kőtábla: újság, Júdás
csókja: ölelkező focisták, szentkép: tenyerébe temetkező férfi, angyalok
a város felett: fotóriporterek, az apokalipszis: eső elől nejlonnal letakart
emberek. Az idő, a roncsolódás, az elmúlás, az emlékezés, az időtlen pillanat
a flashek kulcsmotívumai (bimbózó bokor, szétszedett óra és öregasszony;
kőgalamb és vakarózó galamb a síron; régi órák és az aréna órájának nagylátószög
torzította bevágásai). A film asszociációs sorai hasonlatok és ellenpontok
füzérei, például a következő, közérthető és mégis lefordíthatatlan „verssor”:
rét / tömeg / óra / rom / öregasszony / szentek / repedések / repülő.
Az Aréna három, blankkal elválasztott, hosszú snittel végződő tételből
áll (gyors, lassú, gyors). Az egyes tételek is 3-3 tematikai és zenei egységre
oszthatóak. A középső tétel hangneme és poétikája elüt a többitől: az aréna
profán apokalipszisére meditatív természetképek felelnek: gomolygó felhők,
áradó vizek, napfogyatkozás és alkony. A tétel közepe egy ironikus közjáték,
mely a korábbi motívumokat más kontextusba és struktúrába helyezve forgatja
ki.
Az archetipikus emlékképsorokat az utolsó tétel gyorsított felvételei
követik, melyek az arénát azonosítják a civilizációval. A blendézések és
a gyorsításokba való rávágások keresztezik az éles és a belső vágást, a
blendeváltások a kép más-más részletét teszik hangsúlyossá vagy láthatóvá.
A fehér ég és az éjszakai város ritmikus egymásra vágása a Hajnalhoz hasonlító
vibrációt hoz létre.
Az Aréna nem elégikus, hanem pesszimista, de nem nélkülözi az öniróniát
sem: a „FILM” reklámfelirat bevágása szerint a film is a konzumvilág része.
Ez az első önreflektív filmvers, és ezzel utat nyit a Study, a Madarak
vagy a Raszter felé. A film és a televízió a virtuális világ bűnrészeseként
jelenik meg. Az Aréna kópiája szégyenszemre a munkakópiából készült. A
celluxok és a vágóceruzás feliratok a kompozíció és a ritmus részét képezik
az aluljáróból menekülő tömeg őrült kavargásánál.
Az Aréna (akárcsak a Capriccio és a Hajnal) a hangot is versszerűen
kezeli. Artikulálatlan és agresszív kiáltásokból, szirénából, dudából,
madárhangokból készült hangkollázsát sebességgel való trükkök, visszafelé
játszott képek teszik elvonttá és zeneivé, gongok és tikkek tagolják. Legfontosabb
alkotóeleme mégis a csend: a hirtelen elvágott hangok nyomán őrületig fokozott
zörejhalmaz visszhangzik a fejünkben.
Képzene
1972-től készül(t) Tóth János filmpoétikájának foglalata az Örökmozi
(1981): a Study (1972), a Study II. - Cinematograph (1975), a Motion Picture
(1977) és a Shine (1979, BBS-Objektív) alkotta „versciklus”, kiegészülve
más megvalósulatlan filmtervekkel, mint a Minores I-IV. (1975-79) és a
Veszendő varázs (1985). Tíz évet töltött el tehát egy gyertya mellett,
mely motívum kiválasztásában Gujdár József Stúdium (1969) című szélesvásznú
etűdje inspirálhatta. Gujdár makrófelvételei kapcsot jelentenek Huszárik,
Tóth és Szirtes életműve között.
A Study indította el a többszörösen exponált filmversek sorát (Madarak,
Napló, Freskó, Raszter, Emlékezés az emberre), a képakkordok poétikája
-- az Elégia áttöréséhez hasonlóan -- stílushatár. Nemcsak a polifonikus
film újabb változataira, Szirtes „önmaga valóságát létrehozó filmjére”
és Tímár „mozgóképanalízisére” hatottak (mindkét alkotó Tóth János munkatársa
volt), de az archív anyagok újrarendezésével kísérletező további alkotókra
is, elsősorban Bódyra és Erdélyre.
A Study-sorozat négy filmjének képei, technikái és szövegei verseskötethez
hasonlóan összefonódnak és variálódnak, Tóth János önmaga alkotta vékony
szótárból szövi képsorait. Motívumainak öt rétege: az archív filmtekercsek
(a görög vázák „mozgóképeitől” az első filmfelvételeken át az emlékképként
kezelt Macskajátékig), a werkparódiák, a vizuális leképezés eszközei és
folyamata (lencsék, vetített képek, fények, foltok, villanások, tükrök,
filmszalagok), az ironikus szövegek és keretek, végül a gyertya és lángja.
Mindezek az ősképek, a kollektív tudatalatti előhívását célozzák a két
fő életprincípium, a mozgás és a fény által. A Shine egyesíti a filmes
műnemeket: dokumentum-, játék-, kísérleti film és animáció szerves szintézise.
A mozit nem a filmművészettel azonosítja, hanem a legendás kezdetekkel
és a B-szériás filmekkel: csókok, lövések, habostorták, cirkuszi számok,
fellinis jelenetek és egy Fuller-szerű rendező karikírozzák a film hőskorát.
Itt látjuk utoljára Latinovitsot, amint „Terry Tordayval” csókolózik.
A Study II-ben jelenik meg először és a Shine-ban tetőződik be számos
új elem mellett (ősmozi, filmszalag, kesztyűs kéz, képkeret, werk) a világ
és képe, a mítoszok és a mozi keverése, némileg az Aréna gondolatainak
ironikus folytatásaként. A feliratok egyszerre vonatkoznak a valóságra,
a mitológiára, a képre és a filmre. A világ csak látványosság, a film adja
a teljességet - állítja önironikusan a Shine, hogy ezzel le is leplezve
magát „képeinek igazi képét” nyújtsa.
Egész estés filmek ezek, csak a képek nem egymás mellett, hanem egymás
mögött vannak: ez adja a film többrétegűségét, vers jellegét és klipszerűségét
is.
Gesztusművészet
Szirtes András korai filmjei (Bisztró, Hajnal, Madarak, Gravitáció)
Huszárik, Tóth János és az avantgárd igézetében fogantak, mégis szakítanak
a Huszárik-Tóth-féle objektív lírával: filmversei személyesek, sokszor
politizálóak, szerkezetüket pedig ritmusképletek szabályozzák. Szirtes
a Madarakban talál rá saját stílusára, a gesztusművészetre, ám az itt megjelenő
többszörös exponálás polifóniáját és poliritmikáját Tóth János tanulmányai
is inspirálták.
Mesterműve mégis a Hajnal (1973-1980). 6000 motívumfotó alapján, 9
órányi muszterből készítette. A szolarizációs eljárás, ami ma már csak
egy gombnyomás, két évet vett igénybe, csakúgy, mint világmodellje, melyet
egy pohár vízben épített föl, buborékok segítségével. A Hajnal és a Madarak
antropomorfizációja az Elégia és a Capriccio folytatása: a ló, a hóember,
a buborék és a madár az embert, az ember az embertelenséget képviseli.
A Hajnal is háromtételes: lassú, gyors, lassú. Az első tétel állóképekre
közelítésekből áll, a gyárkülsőket pozitív és negatív képeket váltogató
szolarizáció és a kép lüktetésével szinkron zörejzene teszi irreálissá
és szorongatóvá. A monoton belső ritmusban villódzó ipari képek tudatfolyamként
ömölnek. A Madarak ellenkező eszközzel éri el ugyanezt: a snittek követhetetlen
rövidségével. A totáloktól a makrókig tart a közelítés, a tárgyak elvesztik
fizikumukat, a variók és a negatív képek absztrakt formákat hoznak létre,
mígnem teljesen átlépünk egy elvont világba.
A második tétel: forradalom buborékokban elbeszélve. Etimológiailag
is pontos: egy forrás makróközelijei, hangokkal antropomorfizált ecetsav
cseppekkel. A cseppek egyénítettek, mint Huszárik lovai: mozgásuk, viselkedésük
különböző, mégis egybeforrnak. Gujdár József makrofelvételein az ázaléklényszerű,
egymást ellökő vagy szétpattintó buborékok drámája egy kicsinységében is
lenyűgöző, vágatlan beállításban csúcsosodik ki, ahol Pudovkint meghazudtoló
áradatban viharzanak a forradalmi erőket képviselő szódabikarbónák.
A harmadik, egysnittes tétel látszólag teljesen reális, valójában egy
félórás hajnalhasadás gyorsított képe, egy így is sokkolóan lassú körsvenkben.
Az utolsó kocka kimerevedik, a kamera egy sínen áthaladó emberre variózik,
akiből csak foltok maradnak. Vonatfütty hallatszik; a kép beég fehérbe.
Łódżban vették fel, 1980-ban, egy igen absztrakt film elég konkrét utalásaként.
A Madarak (1974-76, standardizálás: 1981) „vizuális ritmustanulmány”,
melyben 304 snitt pörög le hét perc alatt, azaz a snittek átlaghossza kevesebb,
mint egy másodperc. Szirtes ezt egyrészt pusztán emocionálisan megragadható
háromkockás snittekkel, másrészt egymásra kopírozással éri el. A beállítások
száma ugyanakkor viszonylag kevés: egy óra fekete-fehér és három perc színes
anyagból vágta Szirtes, a snittek ritmikusan újra visszatérnek vagy variálódnak,
durva blendézések tagolják őket (szemben Tóth János apró fényváltásaival).
A Madarak zenei szerkezetét előtanulmányok előzték meg, melyekben Szirtes
a filmgyár szemetéből vágott össze etűdöket, és blankokból épített fel
ritmusokat (Ütem, 1974). Rájött, hogy az alapritmusok nem tarthatóak be
mereven, mert a tartalom befolyásolja az időérzetet. A Madarakat három
szalagon vágta párhuzamosan, és az egyes „zenei szólamokat” eltérő monokróm
virazsírozással jelölte. Barnák az archívok, kékek a tárgyi objektumok,
sárgák a technikai kísérletekkel kapcsolatos képek, vörösek a személyes
jelentőségű archív emlékképek és zöldek a személyes felvételek. A Madarakkal
kezdődik a Szirtes-életmű naplószerűsége, személyessége és öniróniája,
innentől kezdve minden filmjébe belekomponálja saját magát is, bohócfiguraként
vagy irodalmi alakok önstilizációjaként.
A motívumok folyton vissza-visszatérnek: nagyrészt a szabadságvággyal
és a halállal kapcsolatosak. A repülésvágyat (első repülési kísérletek,
súlytalanság, hinta, rúdugrás) a madarak földi sorsával (tojásból folyó
vér, madárijesztő, árcédula madárlábon, bélyeg olajággal, kitömött madár,
állatkísérletek, turulmadár) és az égi halálnemekkel szembesíti (ejtőernyősök,
katyusák, atombomba). A képkészletet személyes felvételek és életérzésképek
bővítik (önarckép, személyi, aluljárófahrt, éjszakai ablakok). A Szirtes-filmek
szókészlete sokkal esetlegesebb, mint Huszáriknál, jól mutatva mégis a
motívumismétlés összetartó erejét.
Egyes motívumok az Elégiából és az Arénából ismerősek (kövezet, kőgalamb
a sírkövön, éjszakai pixilláció, újságcikk), a madárra, mint képi jelre
rátapadnak az Elégia, Capriccio, Aréna jelentései. Egyes képek konkrét
verseknek is megfeleltethetőek: a refrénszerűen visszatérő halott madár
(Zelk Zoltán: Sirály) vagy a 0 kilométerkő mint tojás (Tandori).
Míg Tóth Jánosnál az apró flashek rejtett értelemmel bírnak, tudat
alatt hatnak, Szirtesnél inkább emocionális és ritmikus funkciójuk van.
Rafinált játékokat űz velük, melyet a hol illeszkedő, hol ellenpontozó
metronómhang és a végtelenített Bartók-motívum még bonyolultabbá tesz.
Szirtes Simone Weil Gravitáció és kegyelem című könyvéből írt „forgatókönyvet”
(snittlistát, 1977), ám nem kapott rá elég pénzt, ezért archív anyagokból
összeállított egy „seggberúgós” filmet. A Gravitáció (1981) hasonló tematikájú,
mint a Madarak (vonzódás - elrugaszkodás), de nem vágott, hanem szerkesztett
film. A beállítások nem térnek vissza, nemigen állnak több snittből, és
gyakran különböző színű blankok választják el őket. Ami filmverssé teszi
a Gravitációt, az a motívumok redukciója és redundanciája. Az összes régi
filmfelvétel egyszerre kötődik a fizikai és a társadalmi gravitációhoz,
amelyre persze egyedül a filmcím hívja fel a figyelmet. A forgatott anyag
igen csekély: függőón a város fölött, tárgyak szétlövése, önarcképek (tükörben
látjuk, ahogy a rendező-operatőr élességet állít). Filmszalagra festett
karcokat már a Madarakban láttunk, Szirtes most időnként besatírozza a
képkockákat, bennhagyja a filmben a csapókat, jelezve: a film még készül,
az alkotó sem látja a végét.
A Gravitáció egyszerre cinikus, önironikus és anarchista. A történelem
poklát humorral közelíti meg, ezáltal tragikuma megsemmisül és megkétszereződik.
A legprovokatívabb és legcinikusabb képen a hullákat takarítják el a gettóban,
az egyik hulla leesik a hordágyról, ekkor rövid, magas hangot hallunk,
majd újra, amikor a hullát a hullahegy tetejére dobják. Utána egy hússzeletelő
gép képe következik. Az ironikus hozzáállás sokkolóbban ábrázolja a történelem
és a mindennapok kegyetlenségét, mint a saját humanizmusától nyáladzó alkotói
megközelítés. Szirtest hol bilincsben, hol fegyverben látjuk, és Gujdárral
együtt szétlőnek mindent (konkrétan és szimbolikusan is): paradicsomos
konzervet, órát, tojást, tükröt, végül magát a filmet is. A rendező intésére
perforációk lepik el a szalagot, géppuskapergéssel kísérve. A snittet,
melyben egy munkásőr szétlő egy tükröt (így a lukácsi esztétikát és a kamera
mögött álló Szirtest és Gujdárt is), kivágatták, ám Szirtes ravaszul csak
a pozitívból vette ki, így az újabb kópiában ismét benne lett.
Szirtes a Madarak, Gravitáció, Tükör-tükröződés című filmjeit nevezi
trilógiának, mivel egyszerre standardizálta őket. A ritmusképletek alkalmazása,
a fekete-fehér, monokróm és színes képek váltogatása, az önreflexió, a
naplószerűség, valamint közös motívumok (madár, óra, tükör, tojásszétlövés,
Bartók: Két portré) kötik össze e filmeket. A Tükör-tükröződés mégis inkább
képzőművészeti laborgyakorlat, mint filmvers, és a közös vonások inkább
azt jelzik, hogy Szirtes életművének darabjai áttűnésekkel kötődnek egymáshoz.
Szirtes András filmversei az esszé felé közelítenek, a Napló, a Pronuma
bolyok története inkább esszéfilmek, melyekben csak egy réteget képeznek
a lírai és zenei elemek, szerkezetek, ritmusképletek.
A hetvenes években a BBS-en kívül is készültek filmversek: a kései
Huszárik-filmek és Tóth János Poézise. A nyolcvanas évek filmversei, elsősorban
Tímár Péter filmjei átmenetet jelentenek a líra és az esszé között, Balog
Gábor Kék kútja pedig már elégikus visszaidézése a huszárikos filmköltészetnek.
A BBS utolsó filmverse az Emlékezés az emberre (Jelenczki István, 1988).
A többszörös exponálás itt meditatív képfolyamot hoz létre a világba való
be- és kilépésről. Metafizikussága, hasonlatai, redukáltsága és színdramaturgiája
egyértelműen a nagy hagyományokhoz kötődik.
Nem véletlen, hogy a mai BBS-ben nem készülnek filmversek (sem), és
hogy az (ezidáig) utolsó magyar filmpoéta, Kotnyek István saját finanszírozásból
készíti méltatlanul mellőzött remekműveit. Ma a filmversek hálátlan és
torzszülött utódai, a klipek, a video-dj-k ritmus nélküli, tartalmatlan
és barbár képszeletelői harsogják túl a képek néma zenéjét.
|